Y aquí está el trailer oficial

Fuente: yonkis.com

No ocupaba mucho, del tamaño de una paloma con sus plumitas.

Envuelta en palabras, en nombres como el mío.

Me dio un libro, otro, y las páginas se iluminaron.

No te mueras ahora, hay tiempo, espera.

No es la hora, florecilla.

Dame un poco más de ti.

Dame un poco más de tu vida.

Espera

Mis tardes con Margueritte / La tête en friche / My Afternoons with Margueritte.

Director: Jean Becker.

Guión: Jean Becker y Jean-Loup Dabadie.

Basada en el libro de Marie-Sabine Roger.

Año: 2010.

Música original: Laurent Voulzy.

Edición: Jacques Witta.

Cinematografía: Arthur Cloquet

Con: Gerard Depardieu (Germain), Gisèle Casadesus (Margueritte), Sophie Guillemin (Annette).

El huírle al tema de la vejez en el cine comercial y más en el de Hollywood es sólo un ejemplo de cómo en la mayoría de las sociedades los adultos mayores son olvidados, esquivados o arrinconados por todos en general. Sin tomar conciencia de que todos vamos para allá.

Afortunadamente no siempre es así. Aún se producen películas donde la persona adulta mayor es respetada, tiene su lugar, su importancia y su reconocimiento. Esta es la visión de varias producciones europeas y asiáticas.

Mis tardes con Margueritte (Francia, 2010), del director y guionista Jean Becker, pertenece a ese tipo de cintas, es una muestra de una expresión humanista donde los adultos mayores son seres humanos plenos, e independientemente de cómo haya sido su vida son sujetos de amor, respeto y un lugar decoroso bajo el sol.

El punto desde donde se mira el mundo de los adultos mayores es el de Germain Chazes (Gerard Depardieu). Es un “hombre joven” de 50 años, “hombre joven” en comparación a los 95 de Margueritte como ella misma le dice.

Esta generación de 50 años entreteje narrativamente todos los puntos de vista: el de la infancia, la adultez (de los 30, de los 50) y la vejez. Generación que, de golpe, toma conciencia del tiempo transcurrido, ya sin las compulsiones de la juventud (sexuales, de prestigio, de ascenso clasista, etc.). A partir de Germain, la generación de “adultos contemporáneos” (como los “etiquetan” los mercadólogos) hace un balance de su vida y descubre que tiene cosas que aprender de los adultos mayores, a cuya condición se acerca por el simple paso del tiempo. De esta forma, la infancia de Germain y las situaciones actuales lo preparan para abordar sus relaciones con los adultos mayores con un nuevo enfoque; es decir, replantearse las relaciones con su madre (de unos 70-73 años) y con Margueritte con lecciones de madurez (¡a sus 50 años!) para ser un mejor ser humano, y enfilarse a sus nuevas responsabilidades como pareja y como padre.

Para Germain (y los espectadores), las lecciones sobre el paso inexorable del tiempo se presentan de inmediato en el film: empiezan a pagarle menos por su trabajo; las bromas sobre su ignorancia, falta de sensibilidad y modales toscos se incrementan, y es testigo del deterioro emocional de la gente de su generación. Germain está a un paso de paralizarse emocionalmente por la indiferencia de su madre, por el desconocimiento de quién fue su padre, por una relación sentimental para la que se siente inadecuado. En ese momento, el azar lo pone frente a la frágil Margueritte… y su vida cambia.

Encuentra a Margueritte (Gisèle Casadesus) en un parque… Germain y Margaritte entablan una conversación “superficial” sobre las 19 palomas del parque que para él, al ponerles nombre, son como su familia. Y en medio de la conversación se le cae un libro a Margueritte… y en medio del azar inicia la transmisión del conocimiento de una generación a otra.

La otra forma (difícil) de amar.

La historia transcurre entre flashbacks muy bien insertados y manejados, enlazándose con el presente de Germain, a quien se le nota el cambio sutilmente llevado por Margaritte… A esta altura de la película se da el momento en que Germain compara la relación de Margueritte con la que tiene con su madre Jacqueline. La segunda está teñida desde la infancia por la violencia familiar, donde Jackie tiene que defenderlo y defenderse de un amante seductor. Jackie tiene la valentía de la madre soltera pero, por las circunstancias de su juventud y quizás de su propia infancia, no puede demostrarle a su hijo el amor que le tiene.

Sin embargo, la humanidad de Margueritte y La promesa del alba de Supervielle le permitirán a Germain comprender que su madre si lo amaba. De hecho, una parte importante de la vida de su madre, que él desconocía, estuvo dedicada completamente a él aunque no le dijera “te quiero”.

El laberinto de las palabras.

Durante la película se dan mensajes tan profundos que bien vale la pena que pongamos a trabajar la mente en ellos, frases tales como: “La vejez estorba, sobre todo a los demás. Pero la edad tiene un privilegio, si uno se aburre sabe que no durará mucho”. O como: “…es como dar anteojos a alguien miope. De pronto se ven todos los defectos, los agujeros, se ve uno mismo. Con usted he intentado aprender, pero duele. Estaba mejor antes… todo borroso, todo simple”.

Hoy por ti, mañana por mí.

En su novela 2010, el escritor de Ciencia Ficción Arthur C. Clarke definió la amistad como el intercambio de vulnerabilidades, como la confianza amorosa que permite a dos personas intercambiar información íntima que podría dañar o herir al amigo si se difunde. Y tenía razón… Eso es precisamente lo que hace Margueritte al término de una nueva lectura: le confía a Germain su tragedia personal, sin amargura, sin dramatismo, porque comprende que lo que le ocurrirá es parte del proceso de envejecimiento.

Margueritte: La verdad, me parece que no voy a poder seguir leyéndole mucho tiempo.

Germain: ¿Y por qué?

Margueritte: Porque ya no veo muy bien. Padezco una degeneración macular propia de la edad. Tengo manchas en el centro de los ojos y estas manchas aumentan. Me cuesta leer.

Germain: Por eso tiene una lupa.

Margueritte: Sí. Muy pronto, mi querido Germain desaparecerá entre sombras. Ya no podré contar las palomas.

Germain: ¿No se opera?

Margueritte: Mi vista se muere, no se opera a la muerte.

Es el punto donde se da la correspondencia, el reflujo, el cambio de la marea.

Hasta este momento, Germain ha sido el receptor del conocimiento (léase, por qué no, por primera vez “sabiduría”) de Margueritte. Después de la confesión de Germain sobre su dolor al conocerse a sí mismo y los demás, ella muestra el amor y la amistad que le tiene al confiarle la vulnerabilidad de su próxima ceguera total. Las dificultades que estuvieron a punto de derribar el puente que comunica su amistad amorosa se diluyen. Sus cimientos ahora son fuertes porque cualquier mutua ayuda está anclada en el cariño: “hoy por ti, mañana por mí” en la única manera en que puede funcionar. El circuito de la transmisión del conocimiento se ha invertido para el mutuo enriquecimiento de los personajes.

El amor en cascada: la importancia de Annette.

Es el momento en que el personaje de Annette (pareja de Germain) interviene en la historia para multiplicar el amor en sus distintas variantes. Al principio no entiende la conducta de Germain y estalla en celos hasta que él confiesa la existencia de Margueritte (¡95 años!) a pesar de que él sabe que es una historia increíble… pero Annette le cree… y con su sensibilidad encuentra la solución para que siga la amistad de su pareja con Margueritte.

Germain: ¿Qué será de ella si pierde la vista? ¿Qué pasará con todos sus libros? ¿Con ella? La lectura es su vida.

Annette: LÉELE TÚ.

La importancia de Annette es incuestionable. Representa la aceptación de la continuidad del conocimiento humano por la vía femenina, de generación en generación (como lo plantea, por ejemplo, Doris Lessing en su novela La Grieta). Así, a través de Annette, en el film toma cuerpo la idea de la incorporación de los adultos mayores en el seno familiar, con espacio e importancia propios.

Pero también Annette y después Germain representan a los adultos de cada generación que toman sus propias decisiones. El film no está a favor de una gerontocracia, y esa idea no debe desprenderse de la lectura de este texto. Cada generación debe tomar de sus adultos mayores, del conocimiento existencial que ellos tienen, lo que crea conveniente, tal y como Annette y Germain lo hacen. Esta es la responsabilidad de cada generación, lo que toma y lo que deja.

De ahí que el actual paradigma social “Los viejos no sirven para nada” sea la peor posición posible de jóvenes y adultos, porque al condenar todo el conocimiento de los adultos mayores y en consecuencia a los adultos mayores mismos, no saben que se condenan a sí mismos a padecer las mismas condiciones de desempleo, soledad, aislamiento y vida cuando llegue su turno ineludible con el paso del tiempo.

Sin embargo, la nota que domina en Mis tardes con Margueritte es proactiva. En el film, Annette muestra que el ser humano si puede actuar positivamente bajo la premisa de “Haz algo hoy por quién serás mañana”. Al abrirle un espacio físico y emocional a Margueritte como adulta mayor, Annette incrementa sustancialmente las probabilidades de que sus hijos y nietos respeten y cuiden su espacio cuando, a su vez, le toque ser abuela. Eso les enseñará, eso es lo que recibirá: la retribución a su aceptación inicial, al efecto en cascada del amor y la amistad.

Para saber el desenlace hay que ver la película; para hacer nuestro su mensaje final hay que estar muy atentos para escuchar el monólogo que cierra el film, con una voz en over fuera de cuadro.

De salida.

Todo el film es una confrontación. Por una parte, el paradigma social que considera a “los viejos”, a “los rucos”, como despojos ya inútiles al proceso económico (lo que efectivamente acelera en muchos casos su muerte real); por la otra, una concepción novedosa que en realidad es antigua: los adultos mayores pueden ser productivos hasta el final de su vida, si se les reconoce y cuentan con una función positiva en la estructura social.

La concepción de que “los viejos” son inútiles aparece en el film como una atmósfera que rodea a los personajes, no toma cuerpo en uno de ellos. La edad es una preocupación que empapa a varios por las consecuencias del paso del tiempo: la senilidad de Jackie, la preocupación de Francine que pierde a su pareja ante una mujer más joven, los intentos de suicidio de Landremont. El paradigma negativo no tiene que tomar cuerpo porque ya habita en la manera de pensar de ciertos personajes. De ahí que el paradigma positivo de que los adultos mayores son productivos hasta el fin de sus días tiene que predominar primero en la cultura de una sociedad, para que las medidas legales e institucionales en contra de su discriminación puedan ser efectivas.

Por otro lado, este paradigma positivo es novedoso porque hoy utiliza los instrumentos de la lucha por la igualdad y la no discriminación en pro de los adultos mayores; es decir, lo novedoso es el cómo: leyes, políticas públicas, defensa de derechos inalienables del adulto mayor. Pero es antigua porque, en realidad, se trata de retomar un espacio que ya era suyo históricamente en muchas sociedades. La combinación de lo nuevo y lo antiguo debe generar algo distinto donde todos sean responsables de la situación: los adultos mayores de sí mismos en la medida de su capacidad física y mental, las familias en la medida de cómo tratan serán tratados por las siguientes generaciones, las instituciones por medio de la aplicación de la ley y con acciones positivas concretas.

En el caso de Mis tardes con Margueritte se conjuntan todos los elementos del paradigma positivo (pero hay que estar atentos al desenlace). Margueritte es responsable de sí misma en la medida de su capacidad física y sobre todo mental, es consciente de sus limitaciones –incluso legales, económicas-; la familia está representada por Germain y Annette, con sus propios problemas pero con decisiones bien cimentadas en su ética personal. Las instituciones son contrastantes porque el asilo privado es bueno (¡así cuesta!) mientras que el asilo de gobierno en Bélgica es más caótico y hacinado.

Pero sobre todas estas interrelaciones entre ideas, paradigmas, comportamientos y situaciones narrativas, este film expone una visión positiva de la vejez y el adulto mayor. No es un mensaje fílmico menor ni intrascendente, mucho menos aburrido. En el fondo se trata de nosotros mismos, de lo que hacemos con nuestro tiempo para construir la forma en que nos tratarán en el futuro. Si Mis tardes con Margueritte nos hace pensar en “lo que podemos hacer hoy por quiénes seremos mañana”, entonces dejaremos una herencia positiva a las nuevas generaciones; mientras tanto, podemos pedirles a los adultos mayores que nos den un poco más de ellos, que nos den un poco más de su vida. No, no es poca cosa.

Con fragmentos de http://cinevisiones.blogspot.com

http://static2.channels.com

Como cuando se degusta un vino, el último sorbo es el que nos deja la impresión, el que nos marca, el que nos deja en la memoria un gran recuerdo. Así es la trama de El Escritor Fantasma.

Trama que no deja ver, ni imaginar el misterio que se va entretejiendo entre sus protagonistas, trama que nos va solamente dando lo que necesitamos saber, tal cual como si fueramos agentes encubiertos de la CIA o informantes de ésta.

Roman Polansky hace un trabajo impecbale al conjuntar a excelentes actores, los sabe guiar a donde debe para que den lo mejor de si, en una película que más allá de ser una cinta de misterio a la american way, nos relata una historia de suspenso a la vieja usansa inglesa. Donde cada detalle, cada palabra y cada expresión es hilada en los últimos minutos para poder, como si fuera hilo de media, entender todo lo que sucedió desde el inicio de la película.

Pierce Brosman en un papel primario, o mejor dicho central, va pasando poco a poco a representar un personaje que da el soporte necesario para que el “fantasma” descubra la luz. Olivia Williams interpreta a la  sufrida, la que merece la compasión del fantasma sin embargo bajo esa máscara se esconde un arma letal… La mujer que admira, al grado de amar en secreto, intepretada por Kim Kattrall es quien al final de cuentas solo se quedará con el recuerdo de que todo tiempo pasado fue mejor.

Ewan Mc Gregor dando una excelente muestra de sus capacidades, hace un papel que nos lleva, nos mete en el misterio de esta historia llena de secretismo, de valores entendidos y de secretos. Juegos de lealtades y confianzas.

Una película de suspenso altalemente recomendable, no lo duden!

Elenco:

Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams, Kim Cattrall, Tom Wilkinson, Timothy Hutton, James Belushi, Eli Wallach, Robert Pugh.

giseleteixeira.wordpress.com

Tan sólo por ver el trabajo de la pareja protagonista ya valdría la pena pagar el dinero de la entrada, cosa no muy habitual en estos tiempos…

Pero es que además hay un fantástico guión, una gran ambientación de la época, una maravillosa historia de amor, un inquietante misterio y un retorcido desenlace…

Y por si fuera poco unos fabulosos “secundarios” y un bonito sentido del humor que aderezan y le dan el toque final a esta grandísima película.

Ricardo Darín y Soledad Villamil dan una soberbia clase de cómo se actúa solo con los ojos y de cómo se dicen las cosas sin llegar a decirlas…

La trama de la película es muy buena: Un funcionario argentino jubilado quiere dedicarse a escribir y se empeña en desenpolvar un viejo caso archivado que le impresionó profundamente en el pasado.

Al rememorar su vida de entonces y recordar los detalles del caso, volverán a aparecer sus grandes fantasma del pasado y su gran pasión: el secreto amor que le profesaba a su jefa en su entonces trabajo.

Son como dos películas en una o, mejor dicho; una muy completa.

Una historia de amor sobre las ocasiones perdidas, sobre las palabras no dichas en su momento que te remuerden la conciencia durante el resto de tu vida, sobre amargas despedidas en la estación y sobre máquinas de escribir a las que les faltan letras…

Una historia sobre grandes pasiones, segundas oportunidades y correcciones a mano en los manuscritos del pasado…

Una historia de terror sobre las injusticias de los poderosos, la impunidad de personas mediocres amparadas por el poder ciego y la tirania burocrática.

Una historia sobre terribles venganzas y obsesivas búsquedas de justicia…

Una máquina de escribir que no teclea las “aes” en palabras tan sustanciales como el verbo Amar.

- Unos ojos que demuestran amor puro, sin el lastre que supone lo obligado y cotidiano.

- La sencillez de lo cómico y lo cruel

El paso de la risa al llanto tan bien planeado, dirigido.

Una historia que todos deberian ver porque a todos nos falta alguna letra o tenemos algo de lo que vengarnos… o mas bien un sentido por que seguir.

Ficha técnica:

* Ricardo Darín (Benjamín Espósito)

* Soledad Villamil (Irene)

* Guillermo Francella (Sandoval)

* Pablo Rago (Morales)

* Francisco Javier Godino (Gómez)

* Productoras:

o Tornasol Films S.A.

o Haddock Films S.R.L.

o 100 Bares S.A.

* Productores Asociados:

o Telefe

o TVE

o Canal+ España

o Producción: Gerardo Herrero

o Director: José Campanella

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■ Es una forma sutil de decir: “vean, qué pendejos son porque se les está yendo la gente”: Juan Carlos Rulfo

■ Los retratados en la cinta coinciden en su anhelo por volver a reunirse: Hagerman

La migración es un tema de primer orden en México. Se sabe mucho de quienes intentan y cruzan la frontera para mejorar sus condiciones de vida, pero de los que se quedan, muy poco. “Una exploración sobre la cotidianidad de la ausencia que genera la migración” y de los cambios que sufren los familiares de los que parten es de lo que trata el documental Los que se quedan, que se presentó en el Festival Internacional de Cine de Morelia.

Como afirman los realizadores de este estético proyecto, Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman, Los que se quedan “no se basa en entrevistas, sino en el registro de lo que ocurre en el día a día” de esas personas que sufren la pérdida de sus amores.

Las historias (rodadas con el apoyo de Fundación Bancomer) son de soledad, de sueños, de un campo mexicano que ya no se trabaja porque no hay quien lo haga, de las casas abandonadas y en obra negra construidas con remesas, de las relaciones por teléfono, “de lo que representa Estados Unidos en la imaginación de los que se quedan y de lo que es México en sus corazones”.

Director del documental En el hoyo (premiado en Sundance), Juan Carlos Rulfo comenta en entrevista: “Por ser un tema grande no sabíamos por dónde tomarlo. Al inicio estábamos perdidos, porque ya se ha hablado de la aventura, la amargura y el derrotismo. Pero entendimos que la migración ya no es algo peyorativo: es la situación cotidiana del país, en mayor o menor grado, que se da en distintas partes de México. Nada va a cambiar, porque estamos cerca de un país con el cual tenemos un vínculo más allá de lo económico”.

Advertencias sutiles

A decir de Carlos Hagerman, conocido cortometrista, “generalmente se explotan los datos duros, las remesas y lo que significan para el país, pero para nosotros la apuesta fue por las familias que sufren la ausencia. Debemos entender que este fenómeno ya forma parte de los mexicanos desde hace años”.

Para Hagerman es un trabajo a nivel personal, porque sus padres llevan tres décadas en la creación de proyectos indígenas sobre educación en comunidades rurales. De hecho, algunos de los personajes retratados forman parte de ese abanico de gente del campo que el director ya conocía.

Rulfo interviene: “Normalmente hablas de un tema político y social de forma gritona, pero hay maneras sutiles de decir: ‘vean, qué pendejos son porque se les está yendo su gente’. En el fondo, el documental dice a toda la gente que México es un gran país que se está quedando y que se siente solo, que está abandonado. Los que se quedan hablan del corazón y del sentimiento”.

Hagerman agrega: “Todos estamos relacionados con estas historias porque, aunque no seas del campo, la mayoría tenemos a alguien que ha tenido que irse en busca de oportunidades. Es un regreso a lo simple. Ves la imagen de un castillo de cohetes e inmediatamente te acuerdas de la celebración, del fandango; es lo que somos y es lo que queríamos que se quedara en el documental, lo que nos recuerda que estamos aquí.

“La gente se va, y a todos los niveles, porque aquí está más difícil, y eso es algo que trasciende cualquier solución fácil o esquema que dicte lo que tenemos que hacer. Sólo tenemos que saber que existe”.

Soledad contra vitalidad

“No se puede decir que el campo está progresando cuando vas y hueles el abandono. No hay alicientes para quedarse”, insiste Rulfo, quien abunda que una de las cosas que “más me gustan del documental es el ágape, la celebración de la vida, porque hay una soledad, pero también una vitalidad en ellos que se contagia”.

Hagerman apunta que algo importante es que todas las familias retratadas, “si tuvieran oportunidades en su país, no se irían”. Por eso, “en las historias que se presentan en la película hay un gran anhelo por volver a estar juntos. Todas las personas que conocimos tenían ganas de hablar sobre lo que sienten porque, al parecer, a muy poca gente le importa.

Los que se quedan no se limita a presentar el testimonio, las historias personales, sino el halo de esperanza, muy inmersa en el corazón. “Es la evocación de la mirada, es el discurso del paisaje“, la imagen como algo bucólico.

El documental, editado por Valentina Leduz y producido por Nicolás Vale, fue apoyado también por la beca Gucci-Ambulante y por Sony. Es de destacar que la fundación que auspicia el filme permitió a los realizadores articular una visión “honesta y libre sobre esta cara de la migración”. De hecho, cedió todos los beneficios de la distribución y comercialización de la cinta.

Y de hecho, esta película será proyectada en 300 municipios del interior del país, lugares donde no hay cines.

Las exhibición itinerante de la película de Rulfo y Carlos Hagerman es parte del proyecto “El cine en el campo”, que patrocina la Fundación BBVA Bancomer, coproductores también del documental sobres las familias de indocumentados en México.

Actualmente Fundación BBVA Bancomer ha becado a más de 15,000 niños de primaria y secundaria, como parte de su proyecto de apoyo a familias de migrantes, entre ellos a todos los niños y jóvenes que aparecen en la película de Rulfo y Hagerman.

Las proyecciones en video y sobre pantallas móviles de “Los que se quedan” iniciarán este viernes en varios municipios de Michoacán, uno de los estados con mayor cantidad de indocumentados, al mismo tiempo que tiene lugar el estreno en la ciudad de México en cines de la película.

La premiere de la película se llevó el miércoles pasado en la ciudad de Morelia, Michoacán, y en el The Million Dollar Theater de Los Ángeles, California, de forma simultánea.

Fue la alfombra roja más extensa en la historia del cine mexicano, y una de las emotivas, luego de enlazar a varias familias mexicanas con sus parientes migrantes, en vivo y en tiempo real.

La premiere de la película sobre migrantes contó con la presencia de Margarita Zavala, esposa del presidente Felipe Calderón, quien confesó haberla vista “varias veces”.

La primera dama de México dijo que la película de Rulfo y Hagerman reflejan la realidad que se vive en México y en América Latina.

“Todos los mexicanos tenemos familia allá, podemos decir a la gente de Los Ángeles (los migrantes) que los queremos, que los extrañamos”, declaró.

Fuentes www.lajornada.unam.mx y www.mundo52.com

Todo esto complementado con un pájaro loco, perros que hablan, un hermosos dirigible, un viejo gruñón, un niño sin papá y un destino lleno de belleza al sur de este planeta: la mítica cascada paraíso. Todo comienza cuando un niño llamado Carl tiene como ídolo a un viajero llamado Charles Muntz. Después de ver la trágica historia de su ídolo, el pequeño Carl partió en busca de aventuras, lo que encontró cambiaria su vida para siempre; de una pequeña casa abandonada salían frases que Carl reconocía muy bien, eran frases de su ídolo Charles, pero en una voz ajena, después de ir a investigar conoció a Ellie, quien algún día seria su esposa y con quien pasaría una larga y hermosa vida.

Un día, justo cuando Carl se disponía a mostrarle los tickets con los que él y su esposa viajarían (como su gran sueño) a la “Cascada Paraíso”, la ya anciana Ellie se quedó sin fuerzas y unos pocos días después falleció.

Desde su dolorosa pérdida, Carl se volvió monótono y se olvidó poco a poco de la promesa de viajar a Sudamérica.

No fue sino hasta que frustrado (después de una “serie de eventos desafortunados”) se arma de valor y hace realidad su sueño, infla miles de globos con helio y hace flotar su casa por encima de los edificios con la frase “Les enviaré una postal desde Cascada Paraíso”.

TITULO ORIGINAL: UP!

TITULO HISPANO: Up: Una Aventura De Altura

GENERO: Fantasía

PAIS: Estados Unidos

DURACION: 96 Minutos

AÑO: 2009

ESTRENO EN CINE: 30-07-2009

DIRECTOR: Pete Docter y Bob Peterson

GUION: Bob Peterson

INTERPRETES:

PRODUCTOR: John Lasseter y Jonas Rivera

MUSICA: Michael Giacchino

UPLOAD: Axa

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La Tierra es la versión cinematográfica de una serie de documentales de la BBC bautizados con el título de Planet Earth.

El adjetivo más cercano es alucinante. La Tierra nos viene a recordar que la naturaleza esconde en sí misma un sinnúmero de hermosas historias en espera de ser contadas. Con osos polares, elefantes y ballenas jorobadas como personajes principales, el resultado no puede ser menos que increíble.

La Tierra es la versión cinematográfica de una serie de documentales de la BBC bautizados con el título de Planet Earth, una historia que siempre fue merecedora de la pantalla grande, porque a pesar de ser un documental de animales en su hábitat, las historias tienen que se narran tienen todos los elementos de las películas taquilleras: batallas, lazos filiales amenazados y muchísimas aventuras.

Nunca antes se habían invertido tantos recursos en un documental. Cinco años de filmación, más de 200 locaciones, 60 camarógrafos de polo a polo. Este film combina locaciones impresionantes con momentos íntimos de estos habitantes del planeta que nunca antes habían sido captados así por una cámara.

El viaje empieza en el Ártico, a unos mil 100 kilómetros del Polo Norte, y continúa hacia el sur hasta la península Antártica.

Vemos a una osa polar que lucha para alimentar a sus cachorros recién nacidos. Los osos polares se han convertido en emblema en la lucha por la sobrevivencia, porque además de ser criaturas adorables, son finalmente ellos los más vulnerables al cambio climático, que pese a que nunca se toca directamente en la película, vemos como el hielo que se derrite literalmente bajo los patas y que acota su territorio. Son una especie de barómetro que mide la temperatura del planeta.

Después nos maravillamos ante la determinación de una elefante que guía a su cría durante un eterno viaje a través del desierto de Kalahari en busca de agua dulce. Un elefante adulto puede comer más de 136 kilos y beber 190 litros de agua por día.

El viaje continúa junto a una ballena jorobada y su cría, que emprenden juntas la migración más grande hecha por un mamífero marino: cuatro mil kilómetros de los trópicos a la Antártida en busca de alimentos. El pequeño ballenato bebe aproximadamente 600 litros de leche por día.

La Tierra es la primera película de toda una serie que Disney pretende crear bajo la firma Disneynature: historias sobre la naturaleza de corte ambientalista. Y no hay mejor manera de empezar el proyecto con una película tan impresionante y buena como ésta. Es obvio que el público está dispuesto a nuevas formas de narrativa, ya no tenemos que ir a las pantallas Imax de los museos, sino que en salas comunes, cada vez veremos más contenido documental. O es tal vez es un sueño en voz alta.

Dirigen: Alastair Fothergill y Mark Linfield

Aquí el trailer de esta producción:

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¿De dónde vino Akira? Kurosawa nació en Orimo (Japón) el 23 de marzo de 1910. Fue el octavo hijo de Shima e Isamu Kurosawa y si revisamos su árbol genealógico, descubriremos que descendía directamente de samuráis.

Su padre, Isamu Kurosawa, fue militar en la Academia Imperial de Troyama y se desempeñó como profesor de deportes y artes marciales. Siempre lo atrajo la cultura occidental, al grado de organizar programas deportivos con influencia occidental y programar ciclos de cine, aun cuando el gobierno japonés lo consideraba pernicioso.

Su madre pertenecía a una familia de comerciantes de Osaka. Akira la describe como “una madre abnegada y obediente, dispuesta a sacrificarse por el bien de los suyos”.

Heigo, su hermano, fue sin duda fundamental en su vida. Durante mucho tiempo fungió como un sensei para Akira. Era narrador de cine mudo, por lo que Akira conoció la obra directores como Chaplin, Keaton, John Ford, Fritz Lang, Eisenstein, entre otros.

También fue Heigo quien lo apoyó cuando quiso independizarse. Akira se fue a vivir con él a un barrio lleno de bares y artistas, donde se realizaban grandes tertulias y se bebía sake (de ahí su afición a esta bebida).

Cuando el cine sonoro llegó, Heigo se quedó sin trabajo, cayendo en una gran depresión que lo llevó al suicidio.

Cine, fusión y salida

Akira era buen luchador de kendo, pero malo para realizar otros deportes; además, poseía un espíritu retraído y sensible que volcó en las artes. Cuando cursaba los estudios primarios en la escuela Kuroda, su profesor de arte, Seiji Tachikawa, lo animó para que desarrollara su habilidad para la pintura. Fue en la escuela secundaria donde su interés por la pintura y la cerámica japonesa se acrecentó y decidió inscribirse en la escuela de Bellas Artes, la academia Dushuka, donde tomó cursos de pintura clásica y contemporánea. Adquirió con el tiempo un estilo que fue reconocido en el ambiente artístico. Mientras depuraba su técnica pictórica, escribía para uno de los periódicos más radicales de la época, era partidario de la lucha sindical y formaba parte de la liga proletaria de artistas. Sin embargo, nunca se declaró comunista.

Desde el inicio de su carrera como asistente en los estudios Nikkatsu, su talento sorprendió a sus compañeros. Kajiro Yamamoto, uno de los directores a quien consideraría su maestro, diría “el talento innato de Kurosawa nos ponía a todos en evidencia, la única cosa que le enseñé de verdad es a beber correctamente”.

Como la mayoría de los artistas, tuvo que hacer concesiones para su mecenas. En su ópera prima, La leyenda del gran judo (1943), la oficina de propaganda le pidió incluir elementos nacionalistas, algo con lo que no estuvo de acuerdo, pero debió ceder pues no tenía otra opción. Siempre buscó regresar a la esencia del cine, la imagen en movimiento, por lo que para cada una de sus películas se hacía la pregunta: ¿cómo sería si fuera muda y qué tipo de expresión necesitaría?

Fuente: www.playboy.com.mx

La toma es complicada. Sólo después de varios intentos resulta perfecta. Pero no hay grandes equipos de cine que filmen la secuencia, ni un sistema de sonido profesional, ni rollos de película para registrar el momento.

En cambio todos los participantes, desde los tres camarógrafos y el técnico en sonido hasta los extras, están produciendo la película en miniatura, con y para teléfonos celulares.

El ejercicio forma parte de una nueva clase en la Universidad de Boston creada a través de una asociación con la empresa de telefonía celular Amp’d Mobile y que enseña el director Jan Egleson. Durante el semestre, los estudiantes producirán una serie de cortos episodios que eventualmente serán distribuidos por la compañía para sus clientes. Los estudiantes se proponen hacer filmaciones usando sólo los teléfonos, pese a los obstáculos causados por sonidos de fondo y por la calidad del video.

La clase, que según las autoridades universitarias es hasta ahora la única de su tipo en Estados Unidos, ofrece a los estudiantes créditos de cursos y la posibilidad de formar parte de una nueva cultura mediática donde cualquier persona, en cualquier lugar, puede crear, distribuir y observar espectáculos usando una variedad de tecnologías emergentes. Amp’d se beneficia de la obtención de ese tipo de contenido creado por una de las audiencias que busca con más ahínco: jóvenes adultos con conocimientos de tecnología.

Amp’d, que cuenta entre sus respaldos financieros a Qualcomm Inc. y Viacom Inc., intenta competir con empresas más grandes como Cingular Wireless al publicitarse como una compañía orientada hacia la juventud que ofrece algo más que servicios telefónicos. Vende fragmentos de comedias, historietas y videos musicales para suscriptores a fin de que los observen en sus teléfonos celulares. Los precios van desde 45 centavos de dólar para un solo trasvasamiento, hasta 20 dólares por acceso ilimitado.

“Ellos están en todas partes, en todo momento”, dijo Seth Cummings, vicepresidente de contenidos de Amp’d Mobile, quien ayudó a iniciar su programa en su casa de estudios. “Ellos desean estar en condiciones de llevar sus medios de comunicación con ellos”.

Amp’d ha contratado a escritores profesionales para crear contenido original. Pero Cummings dijo que la compañía decidió trabajar con la universidad de Boston para lograr descubrir artistas en ciernes.

El medio es tan nuevo que los estudiantes y Egleson pasaron parte de su tiempo en una clase reciente debatiendo cómo denominar su tarea. Uno propuso movisodios (episodios móviles). Otros, celunovelas.

“Nos aproximamos a una nueva era de filmación”, dijo Mark DiCristofaro, de 21 años, un estudiante de cine de la universidad de Boston. “¿Por qué no comenzar lo más temprano posible?”

Debido a que cualquier persona que tiene un teléfono celular puede hacer un video y descargarlo en la internet para observarlo en computadoras o en teléfonos, los estudiantes dicen que esa es una excelente oportunidad para que la gente vea sus obras. Chris Miller, que se graduó en producción para la televisión, dijo que los teléfonos celulares ofrecen a los jóvenes cineastas una nueva manera de distribuir su trabajo.

En ciertos aspectos, la clase de cine de Egleson es muy similar a otras. En la primera hora, guía a los estudiantes con comentarios sobre la edición, el contenido gráfico, la música y el tono. Luego trabajan en la serie, que está enfocada en un grupo de estudiantes, cada uno de los cuales oculta un secreto.

“Lo esencial es que si existe una buena historia y el espectador participa, no importa el formato” utilizado en la filmación, dijo Egleson, que ha dirigido filmes y ha hecho espectáculos para la televisión.

Pero en otras ocasiones los estudiantes y el profesor deben enfrentar desafíos únicos para trabajar con esos negros, brillantes teléfonos celulares proporcionados por Amp’d:

_ Los teléfonos sólo filman secuencias de hasta 15 segundos. Para escenas más largas, como el monólogo en la escalera, hay que usar varios teléfonos.

_ Los teléfonos no recogen bien los sonidos. Durante la clase, los estudiantes intentaron poner un teléfono en el bolsillo de un actor, o usar un “boom” casero, fabricado con un pequeño micrófono y un bastón plegable.

_ En algunas escenas puede verse a los camarógrafos. Por lo tanto, cuando terminan de filmar rápidamente aprietan sus cámaras contra el oído y se convierten en extras que están hablando por teléfono.

Tampoco la calidad de las secuencias es tan buena como en los filmes, pues la cámara del teléfono celular registra 15 tomas por segundo, comparadas con las 24 a 30 tomas por segundo en películas o en la televisión.

En París se realizó recientemente el segundo festival de cine dedicado exclusivamente a películas rodadas con teléfonos celulares. Pero es demasiado temprano para saber si algún día un poseedor de teléfono celular podrá crear “El nacimiento de una nación”, o “El ciudadano”.

El tema de la Segunda Guerra Mundial ha sido uno muy explotado por el cine estadounidense; pero, a pesar de que los más de seis decenios transcurridos, la historia y actuaciones de El Lector generarán algo poco común con respecto al bélico asunto. Además, el personaje de Hanna Schmitz, encarnado por Kate Winslet y que le valió un Oscar como Mejor Actriz, genera una simpatía especial con el espectador, gracias a que durante la primera mitad de la cinta, Schmitz posee un carácter impredecible e impenetrable. Con todo y que la novela posee una fuerte carga histórica, el tema central está muy alejado del conflicto. Se dedica, más bien, a explorar la naturaleza humana y su capacidad de juzgar los sucesos que la rodean; los personajes, por su parte, sirven como pretexto para iniciar un debate intenso sobre la moralidad. “Lo que sentimos no es importante; es lo que hacemos lo que nos define”, asegura uno de los protagonistas en un momento clave de la obra.

Kate Winslet ha resultado una verdadera joya de la actuación en el cine mundial; tras seis candidaturas al Oscar, finalmente fue reconocida. “Mentiría si no digo que he practicado este discurso antes; la primera vez tenía 8 años, lo dije frente al espejo de mi baño y la estatua era una botella de shampoo”, aseguró la actriz durante su discurso al aceptar su premio. Su actuación es brillante, profunda y conmovedora; el lazo que establece con el espectador nunca se rompe. La actriz dibuja a un personaje tan candoroso y enternecedor, que resulta muy fácil desviar la atención sobre las razones por las que se le juzga. Siempre honesta y directa, refleja el sentir de una mujer que sólo cumplió órdenes, en una vida que ella misma eligió.

Aun cuando fue la actriz quien se llevó la gloria durante la premiación de la Academia, ésta cinta no está completa sin el brillante papel que desarrolla el actor alemán David Kross. El joven de 18 años, que tiene una excepcional química con Winslet, interpreta al imberbe Michael Berg, un ávido lector que descubre el amor y la sensualidad durante sus días de estudio con una mujer que le dobla la edad. Él representa a la perfección el proceso de maduración de un tímido y titubeante colegial, para volverse un adolescente sexual, que no dejará que el pasado lo distraiga de un promisorio futuro. Para la interpretación de un Michel con más años, el director optó por el actor inglés Ralph Fiennes, quien siempre ha mantenido su calidad histriónica sin ser sobresaliente; aquí cumple bien con su rol, de manera modesta encarna a un juez que ayudará a su antigua amante a recuperar la pasión por vivir.

La dirección es de Stephen Daldry, quien se había mantenido alejado de las cámaras por seis años. Sus últimas dos cintas, que también compitieron por el Oscar a Mejor Película, Billy Elliot (2000) y Las Horas (2002), muestran la capacidad de Daldry por conducir complejos temas con una naturalidad que acaba por involucrar a su audiencia. Escenas que fluyen  sin contratiempos e iluminaciones simples, son la atmósfera perfecta para permitir que los actores desarrollen sus personajes y el peso caiga sobre la historia.

El guión es fiel a la obra original y corre a cargo de David Hare; está puesto en bandeja para que los protagonistas hagan lo que quieran con él. El resultado, sin duda, es una maravilla gracias al carácter imparcial de la narrativa. Daldry y Hare trabajaron juntos en Las Horas; nuevamente, ofrecen al público una versión limpia y neutral para que él tenga la última palabra o juicio, frente a la serie de polémicas que se suscitan a lo largo de la cinta.

El Lector está considerada como una de las mejores obras de 2008, aunque no logró vencer a Slumdog Millionaire en la contienda por la estatuilla dorada. Inspiradora, emotiva y cargada de pasión, se trata de una historia que demuestra el modo en el que las decisiones que toma uno en la vida pueden tener crueles consecuencias en un futuro no muy lejano.

Lo mejor de kate

CRIATURAS CELESTIALES

Heavenly Creatures; Peter Jackson; Reino Unido – Alemania – Nueva Zelanda / 1994.

Con Kate Winslet y Melanie Lynskey

Ambientada en los años 50, Pauline Parker y Juliet Hulme se conocen en la escuela e inmediatamente inician una intensa e inusual amistad; conforme pasa el tiempo, se dan cuenta de que no son como el resto de sus compañeras y harán todo lo necesario para permanecer unidas.

SENSATEZ Y SENTIMIENTOS

Sense and sensibility; Ang Lee; Estados Unidos y Reino Unido / 1995.

Al morir el señor Dashwood, en su testamento deja toda su herencia al hijo de su primer matrimonio y olvida a su segunda esposa con quien tuvo tres hijas. Las cuatro mujeres buscan cobijo con uno de sus primos. Él, presenta a las chicas en sociedad, quienes enfrentan problemas para encontrar marido.

IRIS

Iris; Richard Eyre; Estados Unidos y Reino Unido / 2001.

Con Judi Dench, Hugh Bonneville y Kate Winslet.

La cinta narra la historia de la escritora inglesa Iris Murdoch, una maestra de filosofía en Oxford que se enamora del también profesor John Bayley. La película narra su encuentro, cuarenta años atrás, antes de que el Alzheimer haga estragos en la personalidad de Murdoch.

JUEGOS SECRETOS

Little Children; Todd Field; Estados Unidos / 2006.

Con Kate Winslet, Patrick Wilson y Jennifer Connelly.

Sarah Pierce es una esposa y madre distante que se aísla de las otras madres del vecindario. Su vida se complica cuando conoce a Brad, el marido de una documentalista que tampoco muestra apego familiar. Ambos se vuelven cómplices en la monótona vida de los suburbios.

Fuente: www.revistaopen.com.mx